Comment donner de la profondeur à son décor en perspective

D'autres trucs

D'autres trucs

Vous maîtrisez la perspective et les proportions de vos décors, et pourtant, il leur manque toujours quelque chose… Ils vous semblent… voilà, ils vous semblent plats, vides. Je reviens vous parler de perspective et de dessin de décor, pour de nouveaux articles mais sous un nouvel angle ! À partir de maintenant, on va mettre de côté les lignes de fuite et les questions techniques pour se concentrer sur comment donner de la profondeur et de la vie à ses dessins de décors.

(Si vous voulez réviser les bases de la perspective, je vous invite à revoir les articles déjà publiés sur le dessin en perspective.)

Comment utiliser l’encrage pour améliorer la profondeur de l’image

Peut-être que vous avez pris votre courage à deux mains après avoir lu les articles précédents et décidé de vous lancer à dessiner en perspective. Et il se peut que vous ayez été déçu par le résultat. Vous vous dites « J’ai bien suivi les règles de la perspective, et pourtant, mon dessin me paraît… plat. »

Dessin de décor en perspective : La version de base
Pas extraordinaire, n’est-ce pas ?

À ce moment-là, ce n’est peut-être pas la perspective qui est à remettre en cause, mais la technique utilisée pour finaliser le dessin. C’est une chose de dessiner en perspective en respectant les règles, donner un effet de profondeur à l’image en est une autre. Pourtant, c’est un élément clé du dessin de décor : réussir à donner une impression de volume et une échelle à ce qu’on représente.

Séparer les plans de l’image est d’autant plus important si le dessin n’utilise pas les techniques classiques de perspective, mais dans tous les cas, c’est important d’y réfléchir, pour rendre l’image plus lisible et plus marquante. De nombreuses techniques sont possibles pour donner un effet de profondeur à l’image, en jouant sur le dessin lui-même, les couleurs, des effets de flou… Je vous propose d’en découvrir quelques unes ensemble !

Moduler le trait

La première chose que l’on peut faire pour donner un peu de volume, c’est de faire varier le trait. Avoir des traits d’épaisseur équivalente, c’est donner la même importance à tous les éléments de l’image, et plus il y a de détails, plus on risque de s’y perdre. De la même manière qu’on divise un texte en plusieurs paragraphes, pour le rendre plus lisible, bien séparer les plans de l’image aide le spectateur à mieux comprendre ce qui s’y passe. Pour ça, vous pouvez par exemple varier votre trait :

  • De l’épais au fin (utiliser un gros feutre ou un pinceau pour le premier plan et terminer par dessiner l’arrière-plan avec un stylo 0,05.)
  • Du noir au gris (Utiliser un feutre au début, puis un stylo bille, puis un crayon de papier, et appuyer de moins en moins)
Dessin de décor en perspective : Moduler l'épaisseur du trait pour améliorer la profondeur de l'image
Exemple de variation d’épaisseur du trait : en changeant d’outil au fur et à mesure qu’on recule dans le dessin, on peut déjà créer du relief !

Jouer sur le niveau de détail : faire les textures du bois de la table et les veines des feuilles au premier plan, à peine esquisser la porte au fond.) Il est aussi possible de forcer le trait à certains endroits pour donner un effet d’ombre.

Dessin de décor en perspective :  jouer sur le niveau dé détail pour améliorer la profondeur de l'image
C’est encore mieux si on ajoute des détails et textures aux premiers plans : après tout, plus on est près d’un objet, mieux on le voit !

On peut aussi :

  • Séparer les différents plans par un contour plus épais (le traitement est alors similaire à un décor en 2D).
  • Faire des traits fermés, ou ouverts, allant parfois jusqu’au pointillé. (Les éléments au premier plan auront des contours nets, là où ceux plus lointains seront moins précis, moins définis)
  • Et bien d’autres choses encore !
Dessin de décor en perspective : Utiliser des contours plus épais pour séparer les différents plans de l'image.
Séparer les plans avec un contour plus épais peut être un style, mais le rendu sera moins réaliste que d’autres techniques.

Vous verrez en testant que vous avez déjà beaucoup de possibilités à l’étape de l’encrage, sans même poser d’ombres ou de couleur. Je vous donne quelques exemples, mais bien sûr, vous pouvez aussi combiner un peu tout ça, garder certaines techniques et en abandonner d’autres, ou même en trouver de nouvelles. Tout dépend de votre style et vos envies !

Comment utiliser les gris pour améliorer la profondeur de l’image

L’encrage n’est pas toujours l’étape finale d’un dessin, loin de là ! De la même manière qu’on peut utiliser le trait pour donner du relief à l’image, utiliser des niveaux de gris ou des ombres permet d’accentuer les effets de profondeur, mais aussi de donner une atmosphère aux lieux représentés. Et là encore, beaucoup de possibilités s’ouvrent à nous !

Travailler par « plan » avec des trames

Une solution est de séparer les différents plans ou objets en jouant sur les niveaux de gris, par exemple, avec des lavis ou des trames. En appliquant une trame au premier plan, puis en en mettant sur les différents meubles, ces éléments ressortent du fond et donnent plus d’impact à l’image.

En alternant des nuances claires ou foncées selon les plans, on peut les séparer et rendre l’image plus lisible.

Dessin de décor en perspective : Utiliser des niveaux de gris pour donner plus de profondeur à l'image.

On peut utiliser aussi bien des niveaux de gris que des trames ou du lavis sur papier. C’est une technique qui peut paraître un peu basique, mais elle a l’avantage d’être rapide. Elle est très utile pour les BD et mangas, quand les décors sont simples et qu’on veut juste donner un peu de relief à l’image tout en se concentrant sur le personnage.

Travailler les ombres et lumières en perspective

Utiliser les ombres et lumières peut aussi permettre de donner de la profondeur à votre dessin, en soulignant le volume des objets. Parfois, dessiner une ombre portée suffit pour qu’un élément cesse d’avoir l’air de léviter. C’est évidemment un peu plus technique que de simples aplats, mais le rendu sera aussi plus réaliste.

Premier exemple : éclairage par une lampe

Pour pouvoir travailler les ombres, il faut avant tout définir d’où vient la lumière, et ne pas oublier que celle-ci sera aussi soumise aux règles de la perspective. Par exemple, si je décide que sur ce dessin, la lumière viendra uniquement de la lampe au plafond, je vais pouvoir “construire” les ombres en suivant les règles de la perspective.

La lumière partira de l’ampoule et rayonnera en ligne droite dans toutes les directions. Vous pouvez donc prendre votre règle et tracer des lignes pour matérialiser ces rayons lumineux et les reporter vers le sol et les murs du décor. Pour savoir comment tracer les contours des ombres au sol, il faudra tracer une ligne verticale pour trouver l’emplacement au sol de la lumière. En utilisant ce point, vous pourrez ensuite tracer les lignes de fuite et construire vos ombres en toute simplicité !

Construire les ombres à partir d'un point lumineux en perspective - étape par étape.
Les différentes étapes pour construire des ombres en respectant les règles de perspective.

L’important, pour une source de lumière visible dans l’image, c’est de bien définir ou elle est, en hauteur, largeur et profondeur, pour rester cohérent. Ici, la lampe est au milieu de la pièce, donc certaines ombres seront dirigées vers l’avant de l’image, et d’autres vers l’arrière. Mais la source de lumière pourrait être au même point de la feuille de papier et correspondre au soleil, beaucoup plus lointain. Dans ce cas, l’image serait à contre-jour, et toutes les ombres se rabattraient vers nous.

Dessin de décor, comment construire les ombres en respectant la perspective pour donner plus de relief à l'image : lumière centrale

Une fois que vous savez où est votre source de lumière, vous n’avez plus qu’à tracer les ombres (avec plus d’expérience, vous pourrez en faire certaines à l’œil pour gagner du temps, mais au début, je vous conseille de construire pour bien comprendre la logique de la lumière en perspective et mieux vous repérer dans votre dessin de décor.

Et il n’y a plus qu’à remplir les ombres ! Bien sûr, vous pouvez mélanger à ces ombres des différences de couleur ou de valeur de vos objets pour donner encore plus de relief à votre dessin.

Dessin de décor : construire les ombres en respectant la perspective pour donner plus de relief à l'image : lumière centrale

Deuxième exemple : éclairage venant de la fenêtre

Cette technique, c’est très bien si vous avez une source de lumière bien définie, mais souvent, le soleil sera hors champ, et viendra du côté ou de l’avant de votre dessin. Que faire dans ce cas ?

La première chose à savoir, c’est que le soleil est tellement grand et loin de nous que l’on considère que les rayons lumineux qui nous atteignent sont parallèles au lieu de partir dans toutes les directions.

Si votre source de lumière vient du côté de l’image, vous n’avez pas besoin de définir un point précis, mais plutôt un angle pour les rayons de lumière. Pour le reste, les ombres portées fonctionnent de la même manière : il suffit de tracer les rayons de lumière parallèles pour savoir où l’ombre va « atterrir ». Les ombres ne convergeront pas sur un même point de fuite, mais seront parallèles au plan de l’image. Pour les fermer sur les lignes partant en profondeur, il suffira de suivre les points de fuite correspondant à l’orientation de l’objet éclairé.

Dessin de décor, comment construire les ombres en respectant la perspective pour donner plus de relief à l'image, étape par étape : éclairage venant de la fenêtre
Construisons les zones éclairées de notre dessin, avec la lumière du soleil cette fois
Dessin de décor, comment construire les ombres en respectant la perspective pour donner plus de relief à l'image, étape par étape : éclairage venant de la fenêtre
ça fait beaucoup d’ombre, tout ça !

À ce stade, nous avons une zone éclairée, la quasi-totalité du décor qui est plongé dans l’ombre… cela reste un peu plat ! Heureusement, rien n’empêche d’ajouter de la nuance dans les zones d’ombres.

Même si les rayons lumineux arrivent sur la table, cela ne veut pas dire qu’ils s’arrêtent là : certains sont absorbés, mais d’autres vont aussi rebondir un peu partout et éclairer plus ou moins l’intérieur de la pièce. Plus on s’éloigne de la zone éclairée, plus elle va s’assombrir, parce que les rayons vont se « perdre en route ».

Vous pouvez donc rajouter un dégradé sur le côté gauche de la pièce. De manière générale, vous pouvez vous permettre d’assombrir les coins des pièces non éclairées, cela va accentuer le contraste avec la partie en pleine lumière. Ici, l’entrée à gauche, cachée par l’angle du mur recevra encore moins de rayons. Le couloir peut même être dans le noir total !

Dessin de décor, comment construire les ombres en respectant la perspective pour donner plus de relief à l'image, étape par étape : éclairage venant de la fenêtre

Ici, j’ai joué sur un autre effet de lumière en assombrissant un peu la droite de l’image pour souligner le passage des rayons de soleil. Quand l’air est poussiéreux ou enfumé, le trajet de la lumière devient visible, ce qui peut faire de très jolis effets et ajouter de la profondeur à l’image.

Mais ça ne s’arrête pas là ! Vous pourrez aussi ajouter des ombres à l’intérieur de cette zone d’ombre principale (par exemple, celle de la table, ou du pot de fleurs), mais attention ! Contrairement à un éclairage direct qui va avoir une limite bien définie, ce genre d’ombre est plutôt diffuse.

Imaginez qu’au lieu de dessiner le contour d’un pochoir avec un stylo, vous utilisez un aérographe en tenant le pochoir quelques cm au-dessus de votre feuille, et vous aurez un rendu assez proche.

Dessin de décor, comment construire les ombres en respectant la perspective pour donner plus de relief à l'image, étape par étape : éclairage venant de la fenêtre

Pensez aussi que cette lumière qui « rebondit » n’obéira pas forcément aux mêmes règles d’orientation. Par exemple, le pot de fleurs paraîtra en contrejour : même si la lumière entrant dans la pièce vient de la droite, celle qui rebondit pour l’éclairer s’approchera de nous.

Vous voulez en savoir plus sur la construction des ombres en perspective ou découvrir d’autres variantes ? Pour aller plus loin, je vous conseille de vous pencher sur le livre Le dessin de perspective par l’exemple par John Montague qui contient plein d’explications techniques, dont un chapitre entier sur les ombres et reflets. Une véritable bible de la perspective !

Le dessin de perspective par l'exemple
Le dessin de perspective par l'exemple propose une approche résolument pédagogique qui laisse à chacun le loisir de progresser à son rythme en trouvant les explications qu'il recherche. Que vous soyez artiste confirmé ou amateur, designer, graphiste, vous trouverez dans ces pages matière à vous perfectionner.

Quelques astuces

Souvenez-vous : pas de lumière sans ombre : si vous voulez de la luminosité dans votre dessin, donner l’impression qu’il est éblouissant, vous aurez besoin de travailler les ombres, quitte à les faire très sombres et faire disparaître certains détails. Cela peut être frustrant, mais s’il y a quelque chose que j’ai appris, c’est que votre dessin aura plus d’impact s’il est contrasté !

Vous vous dites peut-être depuis tout à l’heure « c’est quoi l’impact d’un dessin ? ». Et bien, c’est sa capacité à « sauter aux yeux ». Cela peut être des couleurs vives, des contrastes forts ou simplement un encrage qui permet de bien distinguer les plans. Souvent, c’est un mélange de tous ces détails et d’autres encore, comme la composition.

Pour savoir si votre dessin a de l’impact, prenez la peine de le regarder de loin (ou d’enlever vos lunettes si vous en porter) si votre dessin se transforme en quelque chose de flou et uniforme, que vous ne savez pas trop ce que vous voyez, il n’a pas assez d’impact. Si vous voyez les éléments se détacher et arrivez à “lire” votre image même de très loin, c’est gagné !

Impact de l'image : les différences d'épaisseur du trait, d'ombre ou de couleur rendent l'image plus lisible de loin et améliorent la profondeur de l'image.
Si vous vous éloignez de votre écran, vous constaterez que la silhouette de la plante à droite est beaucoup plus lisible de loin que sur l’image de gauche, ou tout finit par se perdre dans un brouillard gris clair sans grand intérêt.

Comme vous voyez, travailler les ombres et lumières permet d’élargir beaucoup les possibilités d’améliorer la profondeur de l’image et son impact visuel. Elle peut aussi changer l’atmosphère d’un décor, alors n’hésitez pas à vous entrainer et varier les éclairages pour être à l’aise : une lumière bien placée et travaillée peut renforcer l’impact d’une scène et servir la narration d’une BD ou d’une illustration !

Comment utiliser la couleur pour améliorer la profondeur de l’image

On a vu que l’on pouvait travailler son trait et ses ombres pour améliorer la profondeur de l’image, mais l’utilisation de la couleur ouvre encore une dimension supplémentaire !

Utiliser la perspective atmosphérique

Quand on varie sur l’épaisseur ou l’opacité du trait au moment de l’encrage de son dessin, on applique plus ou moins consciemment un effet de perspective atmosphérique.

La perspective atmosphérique, c’est ce qui fait qu’alors que les montagnes les plus proches nous paraissent normales, les montagnes au loin paraissent bleutées et unies. La distance ne permet plus de voir les détails et l’air qui nous sépare crée une sorte d’écran, plus ou moins opaque selon la distance, le climat et la pureté de l’air.

Exemple de paysage de montage illustrant la perspective atmosphérique
Un bon exemple de perspective atmosphérique en photo (crédit photo : Schwoaze de pixabay)

Alors que les éléments au premier plan ont une couleur normale, plus on s’éloigne, plus ils vont pâlir et tirer vers le bleu ciel. Reproduire cet effet permet de donner une impression de profondeur et conviendra plutôt aux représentations de grands espaces & décors extérieurs.

Une solution est donc d’utiliser cet effet pour un effet de profondeur à l’image. C’est même plutôt simple à mettre en place : il suffit de travailler avec un ton de plus en plus clair/bleuté au fur et à mesure qu’on s’éloigne. Il fonctionne également quand on travaille en niveau de gris.

Ce même effet aura tendance à effacer les détails avec la distance, un petit peu comme dans le brouillard ou les éléments se dessinent en silhouettes de plus en plus claires et « plates ». C’est d’ailleurs le même principe qui se joue dans les deux cas : l’air n’est plus assez transparent pour qu’on voie parfaitement les éléments. Pour donner un effet de perspective atmosphérique, vous pouvez aussi jouer non seulement sur la couleur elle-même, mais aussi sur le niveau de détail et de texture des éléments.

Composer les plans avec les couleurs et la lumière.

Jouer sur un effet de dégradé pour donner un effet de profondeur est une possibilité, mais ce n’est pas la seule. Sans compter que dans la réalité, elle est perceptible seulement sur de grandes distances ou quand l’air est très chargé. À l’intérieur d’une pièce, par exemple, ça n’aura pas beaucoup de sens.

À ce moment-là, vous pouvez composer avec la couleur des éléments dessinés. Vos murs sont blancs : une table rouge bordeaux ressortira par contraste, tout en se détachant du vert des feuilles. En appliquant ce principe, vous pouvez donner de la variété à l’image et cela permettra à l’œil du spectateur de mieux délimiter les différents éléments représentés.

Utiliser la couleur pour séparer les plans du décor et donner du relief à un dessin en perspective
En utilisant des couleurs différentes, on sépare les éléments de l’image en “blocs” bien disctincts !

Bien sûr, vous pouvez cumuler l’utilisation des couleurs avec celui de la lumière, son placement, son intensité, et même sa couleur !

Dans cet exemple, ajoutons deux sources de lumière, une chaude et une froide. La lumière jaune aura des ombres violacées, tandis qu’une lumière bleue aura des ombres plus orangées… La plante au premier plan sera non seulement vert sombre, mais en plus en contre-jour dans tous les cas. Ensuite, la pièce très éclairée contraste avec l’entrée plus sombre. Enfin, la porte au fond s’ouvre sur une lumière bleutée dans le couloir.

Donner de la profondeur à l'image quand on dessine des décors en connaissant et combinant des techniques d'encrage, de placement des ombres et de couleur.
Le meilleur moyen de donner de la profondeur à votre décor est de combiner toutes les techniques que vous pouvez pour additionner leurs effets !

Je pense que vous l’aurez compris, il y a beaucoup, beaucoup de possibilités à ce stade : travailler en dégradé, en alternance, jouer sur les lumières, leur intensité, leurs couleurs… à vous de choisir ce qui vous paraîtra le plus cohérent sur votre dessin, en sachant qu’apprendre à maîtriser ces compétences demande quelques tâtonnements, surtout si vous cherchez à avoir un graphisme réaliste. D’ici là, n’oubliez pas que si votre image est bien lisible en noir et blanc, vous avez déjà une bonne base pour les couleurs !

Créer des effets de flou

Quand on dessine, on peut rechercher plus ou moins de réalisme, et l’utilisation du flou peut être une piste.

Notre œil, comme un appareil photo ou une caméra, fait une mise au point sur ce qu’il regarde. Il va se fixer sur un élément en particulier qui sera net, tandis que ce qui est plus proche ou plus éloigné sera flou. On ne s’en rend pas forcément compte parce cela se fait vite et inconsciemment, mais on le remarque plus au cinéma ou sur une photo, où nous ne choisissons pas nous-mêmes ce qui est net et ce qui ne l’est pas.

Exemple de changement de focale
Un exemple de changement de focale

Plus un élément est proche de nous, plus notre œil va se concentrer dessus, et plus la distance où les éléments à d’autres distances paraîtront nets est courte. C’est ce qu’on appelle la profondeur de champ. Elle est de plus en plus grande au fur et à mesure qu’on s’éloigne. Tout semblera plus ou moins net sur une photo de paysage, alors qu’un gros plan aura un fond très flou. C’est d’ailleurs cet effet qui permet de faire du tilt shift, une technique de photographie de paysages réels en donnant l’impression qu’il s’agit de maquettes.

Comment donner de la profondeur à son décor en perspective tilt shift exemple
Un exemple de tilt shit. Même si ce n’est pas le seul effet utilisé, on voit que le flou de l’image donne une impression de proximité. (crédit photo : Michael Gaeda)

Utiliser cette profondeur de champ en ayant des parties de l’image floues et d’autres nettes est un autre moyen de donner de la profondeur à l’image et peuvent donner une impression de proximité et de douceur. Encore mieux, elle permet aussi d’aider l’observateur à savoir ce qui est le plus important dans l’image, parce qu’il va spontanément se concentrer sur les parties les plus nettes.

N’hésitez pas à tester cette technique et à l’adapter à votre sauce. Vous pouvez le faire de toutes sortes de manières, réaliste ou stylisée, discrète ou très marquée, etc. (Bien sûr, ceux qui font du dessin digital sont très avantagés à ce niveau).

Comment donner de la profondeur à son décor en perspective spider man into the spider verse review gq
Dans Spiderman – into the spiderverse, l’équipe a remplacé l’effet de flou par l’ajout de textures aux décors ou le décalage de couleurs (comme une impression mal réglée. Elle utilise aussi la perspective atmosphérique pour accentuer la profondeur de l’image)

Conclusion

Comme vous avez pu le voir, les possibilités de rajouter du volume à un dessin en perspective sont nombreuses… tellement nombreuses que vous ne pourrez sans doute pas toutes les appliquer en même temps !

Prenez le temps de tester ces différentes techniques, d’apprendre à les combiner et les adapter à votre propre style. Peut-être même que vous trouverez d’autres idées que celles que j’ai cité, et c’est tout le mal que je vous souhaite. En tout cas, avec ces outils, vous aurez des pistes pour donner plus de profondeur à vos dessins en perspective, que ce soit en noir et blanc ou en couleur.

Il ne tient plus qu’à vous de les mettre en pratique !

Avatar of Astate
Astatehttps://astate.portfoliobox.net/
Autrice sadique et buveuse de thé invétérée, je fais de la BD aussi bien que du roman illustré, et j'accorde beaucoup d'importance aux petits détails ! Peu importe le genre, je cherche avant tout les émotions et les questionnements des personnages. J'aime que les choses soient bien faites, donc je partagerai ici des conseils techniques de création de BD et d'auto-édition pour avoir des livres au poil !

LAISSER UN COMMENTAIRE

S'il vous plaît entrez votre commentaire!
S'il vous plaît entrez votre nom ici

Aller plus loin

Nous vous donnons les outils pour booster votre motivation ! Chaque semaine, suivez notre planning de coaching.

Articles similaires