Comment dessiner une scène de combat réussie

D'autres trucs

D'autres trucs

Si votre manga, BD, comic ou webtoon comporte des scènes d’action, vous allez avoir besoin de dessiner un combat. Il n’existe pas de recette miracle pour y parvenir : il s’agit avant tout d’avoir de l’expérience et d’en avoir produit un certain nombre pour vous entraîner…

Mais il existe quelques techniques à appliquer pour progresser. Dans cet article, nous allons faire en sorte que vous connaissiez un maximum d’astuces différentes, pour que votre scène de combat soit la plus réussie possible !

Observer des scènes de combat

Observation active

Un combat ne se déroulera pas de la même manière si les personnages ont des armes ou s’ils se battent au corps à corps. Aussi, une personne basant sa technique sur l’attaque et une personne qui doit surtout se défendre ne réagiront pas de la même manière.

Je vous recommande donc de lire des livres dans le même esprit que votre scénario et de regarder des films ou des matchs (de boxe, de karaté, etc.) dans le même style de combat que celui que vous voulez dessiner pour comprendre visuellement à quoi il doit globalement ressembler.

Regardez attentivement, prenez visuellement des notes (écrivez-les si vous en ressentez le besoin), pour que votre imaginaire s’habitue à reproduire par lui-même des scènes d’action similaires.

Cela vous sera notamment utile pour faire la chorégraphie de votre scène de combat. (Je vous en parle plus bas.)

Références photos

Pour vous aider à dessiner des poses de combat naturelles (ou du moins réalistes), vous pouvez utiliser des références photos.

Je vous conseille de vous faire une petite collection de poses en explorant Pinterest, qui rassemble énormément de photos utiles aux artistes. (Pour vous simplifier la tâche, je vous invite à regarder mon propre tableau Pinterest qui rassemble les poses qui me semblent intéressantes. C’est cadeau !)

Il existe au Japon des livres de références photos pour les mangakas. Ils sont généralement organisés selon des thèmes, par exemple, vous pourrez trouver des hommes qui se battent en costume-cravate dans un livre et des filles qui se battent en costumes d’écolière dans un autre !

Note : Ces livres sont assez difficiles à trouver en France et ils sont assez chers, aussi je vous recommande de les faire venir directement du Japon. (Voir les quelques liens à la fin de l’article. Il en existe beaucoup d’autres, je vous conseille de chercher à partir de ces livres-là.)

Pantin articulé

Comme vous ne trouverez pas forcément une photo présentant la pose exacte que vous voulez dessiner, il vous faudra la fabriquer.

Vous pourrez bien entendu dessiner votre personnage à partir d’un squelette simplifié, comme nous l’avions abordé dans l’article  « Dessiner l’anatomie de personnage et ses positions ». Mais cette méthode peut s’avérer très compliquée pour représenter certaines poses (dans le cas des vues en raccourci par exemple).

Dans ce cas là, ou simplement si vous n’êtes pas assez à l’aise avec cette technique, vous pouvez utiliser un pantin articulé.

Il en existe de très simples, en bois, qui sont très bon marché. Mais leurs positions sont très approximatives et peuvent être difficiles à interpréter.

En revanche, les Body Kun/Body Chan ou les Figma sont des pantins très détaillés, dont les articulations sont plus précises et qui possèdent une grande quantité d’accessoires (plusieurs mains et pieds de rechange, des armes ou accessoires… ainsi qu’un bras articulé pour faire prendre au pantin une pose plus complexe). Les versions véritables de ces pantins peuvent être très chères et leur contre-façon ne sont pas solides…

Vous pourrez également trouver des applications ou des sites vous permettant de faire prendre des poses à un pantin en 3D et de choisir l’angle dans lequel vous voulez le voir.

Dans le logiciel CLIP STUDIO PAINT, vous trouverez à votre disposition un modèle 3D de pantin articulé vous permettant de travailler directement dans ce logiciel de dessin. Pour en savoir plus, je vous invite à lire cet article qui vous en parle en détail : « Comment utiliser les mannequins 3D sur Clip Studio Paint ».

Dessiner une bonne scène de combat

Les outils graphiques

Lignes de vitesse

Les lignes de vitesse sont essentielles au dessin d’une scène de combat, puisqu’elles impliquent obligatoirement un mouvement de la part des personnages ainsi que des objets qui s’y trouvent.

Elles donnent du dynamisme à votre planche et permettent d’orienter le regard de votre lecteur vers ce qui est important dans les cases.

Je vous invite à lire l’article dédié à ce sujet : « Maitriser les lignes de vitesse ».

Scène de combat : onomatopées, lignes de vitesse, soulèvement de poussière
©Letter Bee, Hiroyuki Asada

Les onomatopées

Une scène de combat contiendra forcément des onomatopées, comme toutes les scènes d’action de manière générale. Elles accompagnent les différentes actions qu’effectuent les personnages, et donnent du dynamisme à vos planches.

Vous pouvez également décider de ne pas utiliser d’onomatopées dans certains combats, pour transcrire un sentiment de choc, pour montrer que le personnage est sonné, par exemple.

Nous avons déjà abordé les onomatopées dans un article qui leur est dédié « Trouver de bonnes onomatopées pour son manga ».

Astuces de storyboard

La mise en page

Afin de mettre en case le déroulement de votre scène de combat, il vous faudra faire des choix.

Vous devrez sélectionner les moments de l’action qui vous sembleront les plus pertinents, pour ne pas tout dessiner, mais que vos lecteurs comprennent quand même son déroulement.

Dessiner l’action en un nombre de cases trop important créera un sentiment de lenteur, tandis qu’au contraire, ne pas utiliser assez de cases pourrait la rendre trop rapide pour être intéressante, ou pire, pour être comprise.

Pour en savoir plus sur le découpage, je vous invite à lire cet article : Faire un découpage de planche dynamique en BD.

La chorégraphie

Dans un combat, surtout quand il a lieu entre deux personnages de forces équivalentes (mais pas seulement), il est très important de savoir gérer un bon enchaînement des actions.

Tout comme vous le feriez en danse, il vous faudra travailler une chorégraphie des mouvements. C’est l’unique moyen de rester cohérent dans le déroulement de la scène. La moindre erreur entrainerait une incompréhension de la part de vos lecteurs, qui seraient obligés d’interrompre leur lecture.

La fluidité d’une scène de combat est donc essentielle pour garder le public captivé.

Scène de combat : enchainement des cases
©Gunnm, Yukito Kishiro

Astuces de mise en pages/cases

Instant suspendu

Afin de faire comprendre à vos lecteurs qu’il s’agit d’un instant crucial pour la scène (et peut-être pour la suite de votre histoire), vous pouvez créer un effet dramatique en instaurant un moment suspendu.

Pour y parvenir, il suffit de montrer comment réagissent les autres personnages entre un évènement et la réaction qui s’en suit. De cette manière, le lecteur doit patienter quelques instant avant de savoir si une action a eu des conséquences dramatiques ou si le protagoniste a une solution pour s’en sortir.

Scène de combat : moment suspendu
©One Piece, Eiichiro Oda

De bons angles de vue

Pour donner du dynamisme à vos scènes de combat, il vous faudra non seulement varier les plans, mais également choisir des angles de vue intéressants.

L’utilisation d’une vue en plongée donnera un côté imposant à vos personnages, tandis qu’une vue en plongée donnera le sentiment qu’il est vulnérable. Ces deux points de vue sont très intéressant à utiliser, notamment dans le cas d’une grande différence de taille entre les personnages.

La vue en plongée sera également utile pour donner une indication au lecteur sur le lieu où se déroule la scène.

Scène de combat : varier les points de vues
©My Hero Academia, Kohei Horikoshi

Sortir des cases

La sortie de case met en avant le personnage en action, lui donnant de l’importance. C’est une alternative à l’utilisation de grandes cases.

Le fait qu’il ne soit pas prisonnier d’un cadre donne une impression de puissance, car le personnage impose sa présence sur la planche.

Scène de combat : sortie de cadre
©Hunter X Hunter, Toshihiro Togashi

Astuces de dessin

Les raccourcis physiques

On appelle un raccourci physique la distorsion visuelle que l’on a quand un membre, un bras par exemple, est tendu vers la personne qui regarde : cette position donne l’impression que le bras est plus court qu’il ne l’est en réalité, d’où le nom que l’on utilise.

Choisir d’utiliser un raccourci physique donnera énormément de dynamisme à votre dessin. Le lecteur aura l’impression d’être soudainement impliqué dans la scène, puisque le personnage semblera tout à coup plus proche de la  « caméra ».

Scène de combat : raccourcis physiques
©One Punch Man, One – Yusuke Murata

Les déformations

N’hésitez pas à exagérer les poses de vos personnages et à déformer leurs armes pour leur donner un impact plus saisissant. Vous pouvez également courber la ligne d’horizon pour créer un effet de mouvement même sur votre décor.

Si les poses sont trop statiques, trop proches du réel, elles sembleront plus raides également.

Scène de combat : gros plan sur les armes
©Shaman King, Hiroyuki Takei

Ligne de mouvement

Il est possible d’indiquer la présence d’un mouvement sans avoir à dessiner toutes les positions qui ont été nécessaires pour y parvenir. Pour cela, il vous faudra tout simplement tracer la ligne de mouvement, qui guidera l’œil du lecteur du point de départ du geste à son point d’arrivée.

Note : Pour que votre case ait un intérêt esthétique également, ce sera le moment d’y dessiner votre personnage dans une pose charismatique !

Scène de combat : ligne de mouvement
©Demon Slayer, Koyoharu Gotouge

La duplication

La duplication d’un membre dans une case permet non seulement de gagner de la place en terme de cases, mais elle implique également une impression de grande rapidité.

Elle s’utilise généralement en opposant un personnage qui restera statique, avec une multiplication de point de vue d’une main, d’un pied… ou même d’une arme.

Scène de combat : superposition de différentes actions
©Hokuto No Ken, Testuo Hara – Buronson

La duplication peut également donner un côté impressionnant à votre scène si vous l’utilisez pour détailler un mouvement, un déplacement de votre personnage.

Scène de combat : déformation
©Hunter X Hunter, Yoshihiro Togashi

L’absence de décor

On remarquera que dans la plupart des scènes de combat observées dans diverses BD et mangas publiés, les auteurs font l’impasse sur le décor.

En effet, en dessiner un en arrière plan pourrait distraire les lecteurs et détourner leur attention de l’action. De plus, ce genre de scène se lisant très rapidement, vous passeriez du temps sur des détails qui au final pourraient être inutiles.

Note : Vous n’êtes pas non plus obligé de faire tous les détails d’une pose, grâce aux onomatopées et aux lignes de vitesse que vous dessinerez sûrement par dessus… l’important dans une scène de combat n’est pas la quantité de détails qu’elle comporte, mais le dynamisme qu’elle présente !

Astuce de cohérence

Pour qu’une scène de combat soit plausible, il faut éviter d’interrompre l’action, pour que les personnages discutent entre eux.

C’est une erreur que l’on a tendance à faire à cause des animes : un seul et même combat s’étale sur plusieurs épisode parce que les personnages se mettent à parler de ce qu’ils ont sur le cœur, parce qu’ils expliquent leur plan, etc.

Seulement les mangas, BD, comics et webtoons demandent plus d’efforts à votre public qu’un anime. En effet, dans le cas d’une série, nous n’avons rien d’autre à faire que de rester assis devant nos écrans, à regarder. Si un combat devient inintéressant, on a toujours le choix de le laisser tourner et de regarder notre téléphone en même temps (par exemple).

Dans le cas d’un livre, les lecteurs doivent faire l’effort de tourner les pages et de lire pour avancer dans le récit : si par malheur votre combat s’éternise et devient ennuyeux, vos lecteurs pourraient tout simplement décider de ne pas poursuivre la lecture de votre histoire !

Les lignes d’action

C’est l’un des points les plus importants qu’il vous faudra mettre en place pour dessiner une scène de combat réussie. Vos personnages se battent, alors ils seront forcément en mouvement : il faudra donc éviter de les dessiner trop raides !

Définition

La ligne d’action est un guide imaginaire qui indique le mouvement de votre personnage. Cette ligne se concentre sur l’action du personnage et aide à unifier la silhouette en entier.

Clipstudio.net

La ligne d’action est également appelée une « ligne de force ».

Énormément utilisée en animation, il s’agit de la ligne conductrice de votre personnage, qui vous guidera à la fois pour créer un équilibre dans sa pose et à créer du dynamisme.

La technique

Vous avez peut-être déjà entendu quelqu’un vous dire que vos personnages sont raides. C’est un commentaire que beaucoup de dessinateurs débutants entendent sur leur travail. On ne comprend malheureusement pas tout de suite à quoi on fait référence…

La raideur se ressent dans la pose, quand les personnages se tiennent trop droits, qu’ils donnent l’impression de se tenir trop bien.

La seule solution pour éviter cela sera de vous servir d’une ligne d’action, incarnée par une courbe unique, destinée à représenter la pose globale de votre personnage. Grâce à une ligne de force, vous choisissez une direction de mouvement dominante et arrangez une pose pour la rendre plus vivante.

Note : Oubliez les lignes droites et construisez vos croquis à partir de courbes. Préférez l’asymétrie à la symétrie, les poses de 3/4 au lieu des poses de face ou de profil !

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Les lignes de force sur les couvertures d’ ©Astérix et Obélix, R. Goscinny et A. Uderzo, J.-Y. Ferri et D. Conrad

Conclusion

Cet article touche à sa fin, j’espère vous avoir apporté un maximum de clefs pour améliorer vos futures scènes de combat.

Retenez seulement qu’il n’y a pas vraiment de recette miracle pour les réussir : essayez de les rendre dynamiques au maximum, surprenez vos lecteurs avec des poses originales, variez les plans et le rythme de narration et surtout, construisez vos cases à l’aide de lignes d’action pour éviter toute raideur de personnages !

Nous nous retrouverons bientôt dans un nouvel article, en attendant, je vous souhaite de sortir vainqueur de votre combat contre la raideur !

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karinehttps://artofkarine.wordpress.com/
Après avoir obtenu mon diplôme de Dessinatrice Conceptrice avec option Jeu Vidéo à l’Ecole Emile Cohl de Lyon, j’ai travaillé 5 ans dans les parcs Disney de Floride, puis du Japon. Aujourd’hui je suis illustratrice free-lance et je travaille sur un projet de manga que j’aimerais faire publier un jour. J’espère réussir à vous aider un maximum par le biais de mes articles !

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